“No hace falta ir lejos a buscar rarezas, todo está ahí ante tus narices o en el suelo bajo tus pies.” Jean Dubuffet
Dubuffet y el arte de mirar lo que nadie ve. Es uno de los artistas más significativos de la segunda mitad del siglo XX. Huyó de tradiciones, renunció a las técnicas y materiales hasta entonces empleados y eligió la espontaneidad. Quiso un arte libre de preocupaciones intelectuales, donde el instinto prevaleciera sobre la razón con figuras elementales, pueriles y, a menudo, crueles que recordaban a las de los niños, los criminales o los dementes.
Su primera exposición fue en París, en 1944. Entonces presentó cuadros de imágenes simples y primitivas con gruesos empastes que la crítica calificó de “arte bruto” por su crudeza y agresividad. Eran óleos en los que mezclaba la arena con el alquitrán, la paja, el barro e incluso con detritus orgánicos.
En abril de 1950, el artista francés Jean Dubuffet se embarcó en una serie de pinturas tituladas Corps de dames o «cuerpos de damas». La distorsión del cuerpo femenino en estas pinturas, que parecía estar aplastada por una apisonadora con partes sexuales descubiertas, ha llevado a algunos comentaristas a comparar el trabajo de Dubuffet con la serie contemporánea de pinturas de mujeres del pintor holandés-estadounidense Willem de Kooning.
Sin embargo, la grotescidad de las imágenes de Dubuffet a menudo es contrarrestada por la sonrisa despreocupada de las figuras. Además, los marcados paralelismos entre los cuerpos de las mujeres y el paisaje natural pueden considerarse como una celebración de la fertilidad de las mujeres.
El escritor y amigo cercano del artista, Georges Limbour, escribió en 1958, «el famoso «Cuerpo de damas» parecía monstruoso para aquellos que querían reducirlo a lo que solo eran en parte – mujeres. La textura de estos cuerpos muestra claramente que no son grandes trozos de carne, sino limos terrestres, la sustancia de las montañas y los páramos» (Jean Dubuffet: Paintings 1943-1957, catálogo de la exposición, Arthur Tooth and Sons, Londres 1958, sin páginas) .
El árbol de los fluidos se expuso por primera vez en la Galería Pierre Matisse, Nueva York, en 1952. En el texto en el catálogo «Tablas de paisajes, Paisajes de la mente, Piedras de la filosofía» (reimpreso en Selz, pp. 63-72), Dubuffet describió cómo, utilizando óxido de zinc y un barniz ‘magro pero viscoso’, había desarrollado una pasta especial que repelía la pintura al aceite y creaba efectos fantásticos e impredecibles:
Esta pasta, aún fresca, repele el aceite, y los esmaltes que se aplican en ella se organizan en ramificaciones enigmáticas. Gradualmente, a medida que se seca, su resistencia a las salsas de color graso se debilita, y las ensambla de manera diferente.
Su comportamiento cambia cada quince minutos. Estos hechos bifurcados, arboles por los que vi iluminadas a mis figuras, me transportaron a un mundo invisible de fluidos que circulaban en los cuerpos y alrededor de ellos, y me revelaron todo un teatro activo de hechos, que realizo, estoy seguro, en algún nivel de vida.
En el mismo pasaje, Dubuffet mencionó «El árbol de los fluidos» como un excelente ejemplo de la aplicación de su nueva técnica al cuerpo femenino, un tema que había dominado su trabajo durante el año anterior y más.
Al explicar por qué se había interesado en este género, escribió: El cuerpo femenino, de todos los objetos en el mundo, es el que ha estado asociado durante mucho tiempo con una noción de belleza muy especiosa (heredada de los griegos y cultivada por las portadas de revistas); ahora me complace protestar contra esta estética, que me parece miserable y deprimente.
Seguramente busco una belleza, pero no esa. La belleza a la que aspiro necesita poco para aparecer, increíblemente poco. Cualquier lugar, el más pobre, es lo suficientemente bueno para ello. Me gustaría que la gente vea mi trabajo como una empresa para la rehabilitación de valores desdeñados y, en cualquier caso, no se equivoque, una obra de ferviente celebración.
Dubuffet y el arte de mirar lo que nadie ve. Por Mónica Cascanueces.