Más allá del espejo: el autorretrato como acto de desposesión
La multiplicidad del yo en la poética visual de Angelika Ejtel. En el vasto y a veces ruidoso mundo de la imagen contemporánea, hay artistas cuya obra nos obliga a detenernos, a mirar más allá de la superficie, a escuchar el susurro de lo invisible. Angelika Ejtel es una de esas creadoras. Su fotografía no grita: murmura. No se impone: se insinúa. Y en esa insinuación hay una fuerza transformadora que convierte cada autorretrato en un acto de renacimiento.
Aunque sus obras son mayoritariamente autorretratos, sería un error interpretarlos como simples presentaciones de sí misma. Ejtel no nos dice “mírenme”, sino “miren esto que soy y no soy, esta versión de mí que apenas reconozco, esta otra que quizá fui o que podría ser”. Su trabajo no busca definir una identidad, sino fracturarla, multiplicarla, explorar sus grietas y sus pliegues.
La imagen como poema: cuando la fotografía escribe
Angelika no se formó en ninguna academia de arte. Su camino es otro: intuitivo, visceral, libre. Cada una de sus imágenes es el fruto de una búsqueda interior que rehúye la técnica por la técnica y abraza el arte como un lenguaje propio. Un lenguaje híbrido, donde la imagen se encuentra con la palabra, y donde la poesía no es un adorno, sino el eje mismo del sentido.
Sus fotografías, acompañadas a menudo de textos extensos y poéticos, funcionan como pequeñas piezas de un rompecabezas existencial. Es aquí donde su interés por la teoría lingüística y la cohesión textual cobra pleno sentido. No se trata solo de crear imágenes bellas o provocadoras: se trata de tejer un discurso complejo en el que lo visual y lo verbal se abrazan, se contradicen, se complementan.
La multiplicidad del ser: identidades en tránsito
Cada imagen suya es una pregunta abierta: ¿quién soy cuando me miro? ¿Y quién soy cuando me dejo de mirar? Hay algo profundamente filosófico en este gesto. Angelika convierte la cámara en espejo, pero no en un espejo liso y complaciente, sino en uno que distorsiona, que descompone, que devuelve fragmentos de un yo siempre en fuga.
Hay en su obra un claro rechazo al artificio del yo coherente. En su lugar, Ejtel nos ofrece una experiencia estética que se asemeja más a un rito de paso. Cada autorretrato es un cuerpo que se ahoga para poder nacer de nuevo. Cada encuadre, una pequeña muerte simbólica. Y en esa muerte simbólica hay libertad: la posibilidad de ser otra, de ser muchas, de no ser ninguna.
Autodidacta por elección: intuición como método
Lo más fascinante de su proceso es quizás su carácter autodidacta. Lejos del academicismo, su obra nace de una pulsión interna, de una necesidad auténtica de entender el mundo —y entenderse a sí misma— a través del arte. Y eso se nota. Hay una honestidad en sus imágenes que no se puede fingir. Una crudeza delicada. Una sensibilidad que sabe ser feroz cuando es necesario.
Su práctica no se inscribe en técnicas aprendidas, sino en un compromiso con la intuición, con la exploración libre de las formas, con una lógica interna que responde más al ritmo del poema que al dictado del manual.
Morir para renacer: la poética de la transformación
Angelika Ejtel convierte la fotografía en una experiencia poética en el sentido más profundo del término: un lugar donde el cuerpo se ahoga para renacer, donde la forma se disuelve para engendrar sentido. Sus imágenes no son ilustraciones de estados de ánimo, sino estructuras emocionales encarnadas. En ellas, el yo no se presenta, se pregunta. No se afirma, se disgrega.
Lenguaje visual y cohesión textual: teoría desde la piel
La artista logra articular una obra profundamente enraizada en la teoría del lenguaje, sin abandonar la sensibilidad artística. Esta fusión de poesía e imagen, de lógica verbal e impulso visual, da como resultado un universo estético en el que el lector/espectador no solo observa, sino que lee, interpreta, reconstruye. La cohesión entre imagen y texto no es un recurso decorativo, sino una extensión del acto creativo mismo.
La multiplicidad del yo en la poética visual de Angelika Ejtel. Umbrales, no retratos: arte como experiencia liminal
Angelika no construye retratos; construye umbrales. Umbrales hacia una identidad entendida como tránsito, como pregunta, como flujo incesante. Ver su obra es entrar en una zona intermedia donde la palabra se convierte en cuerpo, y el cuerpo en poema. Es en ese espacio liminal donde su arte cobra toda su fuerza.
Resistencia íntima: arte en tiempos de ruido visual
En tiempos saturados de selfies y representaciones vacías, Angelika Ejtel propone una mirada radicalmente diferente. La suya no es una estética del ego, sino una ética de la introspección. Su arte no embellece lo superficial: ilumina lo invisible. No afirma una verdad, sino que abre la puerta a múltiples verdades posibles.
En definitiva, su fotografía es una forma de resistencia íntima. Un espacio donde el arte recupera su función más profunda: la de transformarnos. Porque al mirar sus imágenes no solo la vemos a ella. Nos vemos, también, a nosotros mismos: en nuestras dudas, nuestras máscaras, nuestras metamorfosis.
Y quizá, al hacerlo, también nosotros renacemos un poco.
La multiplicidad del yo en la poética visual de Angelika Ejtel. Por Mónica Cascanueces.