Ela Minus lanza “Acts of rebellion”, su álbum de debut” y aquí tenéis su entrevista

Ela Minus es la primera artista latinoamericana apadrinada por el sello inglés Domino Records creado en la década de los 90.

Ya salió “Acts of rebellion”, el disco debut de Ela Minus, la artista colombiana que ya ha sonado con canciones como “They told us it was hard but they were wrong” y “Megapunk”. Sencillos que han evidenciado su talento y que llamaron la atención del sello Domino Records (Arctic Monkeys, Pavement, Hot Chip, Four Tet) para firmar un contrato del cual sale este primer trabajo.

Unos días antes del lanzamiento de su debut, nos pusimos una cita virtual para poder hablar de su disco, canción por canción.

Antes de comenzar el recorrido del disco, ¿cómo lo describes?

Como una invitación a vivir la vida de una manera distinta, estoy extendiendo mi mano a las personas para que vivamos de una manera distinta y hagamos las cosas diferentes.

El disco comienza con “N19 5NF”, ¿Qué es? ¿Un código, una clave, una ruta , un setting de tus sintetizadores, una introducción? 

Sí, la canción es una intro. Desde que la hice siempre lo pensé como eso y el nombre, es el código postal de un hospital en Londres.

“They told us it was hard but they were wrong” fue el primer sencillo y tu debut en el radiónica top 25. ¿Al escribirla tuviste la sensación de que iba a ser así de fuerte? ¿Fue la primera opción para presentar este nuevo disco?

No desde el primer momento que se hizo, pero sí desde que se acabó de escribir la letra entera y se hizo evidente que no solo era la canción más fuerte sino la más representativa del disco entero. En todas las maneras, tanto musical  como líricamente, siempre había querido que fuera lo primero que se escuchara en el disco y también la primera frase. Uno siempre sabe en el primer minuto si algo vale la pena o no. Es un llamado a escuchar el instinto y quería que fuera el primer single y la primera  canción con voz en el álbum. 

¿Entonces el orden del disco también tiene una intención?

Sí, total. 

Eres colombiana y obviamente piensas en español, pero también has vivido muchísimos años afuera y seguro la manera de pensar o de construir las frases también ha cambiado ¿“El cielo es de nadie” nació en español desde el principio?

Sí, en mis canciones la primera frase sale intuitivamente cuando estoy improvisando y también aparece en el idioma en el que va a ser. Esa canción fue una de las tres que escribí en una sola noche. No me había dado cuenta, hasta cuando la saqué, que es la única canción que he hecho totalmente en español; ya había hecho otras mezclando inglés y español.

“Megapunk” es la canción que más ha gustado en el entorno Radiónica, es la que más atrapa, tanto para los que te conocen como Ela Minus o desde que estabas en Ratón Pérez. Da la sensación de que se escribió hace mucho, ¿hoy cómo la sientes y por qué crees que atrapa tanto?

Se escribió hace mucho, como todo el disco. Mi manager y yo dijimos está canción es “LA CANCIÓN”.  Es un hit, aunque no hay una intención de hacer hits en el disco, pero para mí, en mi mundo “Megapunk”, esta es la definición de un hit.

Yo la trabajé mucho y hoy, cuando la escucho, me emociona y me dan ganas de pararme a bailar y hacer cosas. Siento que logré hacer algo y capturarlo en una canción. Es algo que quiero que la gente sienta, que se llene de poder al escucharla y eso es lo que hace que guste tanto.

Sentimos que el título le da ese poder…

Muchas gracias, casi no me dejan llamarla de ese modo, nadie quería que le pusiera así.

Sí, porque Megapunk se entiende en cualquier idioma y le puede gustar al público ajeno a la música electrónica y alternativa…

Me encantaría que eso pasara porque yo oigo música de todos los géneros y me gustaría que esto también le pasara a la gente que no solo escucha música electrónica, me parece lo máximo .

Cuando los artistas, los productores o managers están armando el orden del disco y  llegan a este punto siempre quieren que pase algo. En este caso llega “Pocket Piano” y le da una pausa a ese ritmo frenético, ¿hay una intención adicional además de generar un respiro o una intersección en el álbum?

Honestamente es una  de mi canciones favoritas del disco. Es una transición que yo toqué en mis conciertos y la empecé a improvisar en vivo. La utilizaba casi siempre cuando quería bajar un poquito la energía y todo se iba demasiado arriba. Desde la primera vez que la toqué,  mi piel se puso de gallina y fue súper emocional. 

Nunca pensé en grabarla, hasta que un día estaba trabajando en el disco y pasó por accidente esta secuencia en mi máquina MPC, empezó a sonar en mi casa y solo me senté a escucharla mucho tiempo porque me hace muy feliz y dije “tengo que grabarla”. 

En  realidad quería abrir el disco con esta, pero debía ser honesta conmigo y nunca abro con esta canción, sino es más como una  transición. Me parecía adecuada para acabar con el lado A, que es el más fiestero, con el lado más arriba, con todo lo que ya oyeron, con  los singles. Esta  es la canción que abre un lado más personal del disco. Es como cuando se acaba la fiesta y es la banda sonora para irse a la casa. es como si te fueras a mi casa al lado mío. Es la apertura al lado más personal.

“Dominique”, la sexta canción, es una de las más alegres y brillantes, ¿así lo percibes también?

Es sin duda la más brillante, la más alegre. Es una de las más favoritas por las personas que escuchan el disco. Es una canción fácil de identificar y la letra también ayuda a eso. Hay algo indiscutible y es que lo que a uno más le avergüenza, a las personas les llega más. Esta canción es un diario y siento que las personas se identifican con esto. 

Con “Let them have the internet”, vuelve otra vez la pausa y ese mismo mood con las otras dos piezas calmadas, ¿esta canción también se hizo en esa sesión?

Sí, todo el disco lo hice en una sola sentada, casi todas las canciones empezaron en conciertos, porque improviso mucho allí, me llevo estas secuencias grabadas y luego las trabajo.

Lo que hice fue grabar y grabar. Me demoré mucho en entender cuál era el disco que estaba haciendo y grabé muchas piezas  con ese mood ambient e hice muchas así. Algunas muy largas, algunas de cuarenta minutos, otras de diez y luego vi que me estaban saliendo dos lados en el disco. Uno super ambient y el otro muy fiestero.  

Llegué a pensar que iba a hacer dos discos, de hecho en el computador tenía guardado en el computador Disco A y Disco B. Pensé en hacer un disco de club y otro de ambient.  Era lo que me estaba saliendo naturalmente y tenía material para hacerlo y los acabé. Luego, cuando empezamos a hacer la secuencia final y a depurar, finalmente quedaron menos canciones. Después edité para que quedaran más cortas. Mi trabajo es muy personal, en mi casa jugaba mucho con todo esto y me gustaba ver cómo se hacía este balance con un disco que al inicio era muy club, al final funcionó muy bien este equilibrio.

“Tony” es una canción muy bailable, tal vez la que tiene el tempo más arriba. hemos visto que en tus shows tocas de pie, con  tus máquinas listas para un carnaval bailable. ¿Cómo grabaste las canciones? ¿Sentada o  como si estuvieras tocándola en un escenario o club?

Sí, yo trabajo parada, y así como ustedes ven mis máquinas en vivo, así lo hice en mi casa y así lo hago siempre. Bailo como una loca, sola. Pienso que si alguien me viera desde afuera le daría mucha risa por todo lo que hago, lo que digo y como me muevo.

Siento que “Do whatever you want all the time” tiene un tratamiento especial en postproducción, no sé si más edición  o cosas por el estilo. ¿Fue así o simplemente fue traer algo que ya estaba pensado y grabado?

No, todo fue igual, no hay algo significativo que haya hecho, pero ya que lo dices creo que sí hay algo importante y es que es la primera vez que alguien mezcla mi música. Fui a Londrés y la mezcla del disco la hizo Martha Salogni. Las dos trabajamos juntas en su estudio. Somos  muy puristas en el sonido y la relación fue increible. Como todo quedó bien grabado pues el proceso fue simple: limpiar y resaltar cosas con EQ, que es la forma en la que yo quería mezclar.

“Close” es la cancion que cierra el disco y se puede pensar que es la que más suena a ese pasado sonoro tuyo cuando comenzaste con Ela Minus. Siento que fue una canción perfecta para Helado Negro. ¿La hiciste pensando en él?

No la hice para él, esta es la canción más vieja del disco, creo que por eso se oye como la Ela antigua. Fue también otra canción que salió en una sola noche, en una sola sentada y luego me fui de gira. Todo lo que había hecho hasta ese momento no quedó en el disco, solo esta canción.

La  versión original  estaba sin Helado Negro, tal cual como la escuchan, estaba pensada para el cierre  del disco. Una amiga la escuchó  y me dijo que sería hermosa si tuviera una colaboración y cuando ella lo dijo yo pensé en Roberto (Helado Negro). Esta  canción siempre me había gustado pero le faltaba algo y como estaba grabada en estéreo, casi que en vivo, no la podía producir mucho. Cada vez que intentaba producirla, perdía magia.

Hace unos años  grabé y ayudé con sintetizadores a Helado Negro en su dico “This is how you smile”. Él es un ser de Luz, un padrino de la música latina en Estados Unidos y cuando hicimos ese trabajo, hablamos de lo bien que funcionaban nuestras voces juntas, ya que son dos lugares opuestos y teníamos la idea de hacer un proyecto. Luego lo llamé y le dije: “tengo una canción solo le hace falta tu voz” y me dijo “ven a mi estudio mañana”. Fui y la grabamos muy rápido, muy natural y quedó perfecta.  Esto me parece muy bonito, que la última canción sea la única que tenga un invitado. Además puede ser un gran cierre y una puerta para lo que viene, me gustaría colaborar más con personas.

¿Cuál es tu canción favorita del disco?

“Close”, supongo que estoy muy sensible, con el corazón a flor de piel por la salida del disco. 

Fuente: Gonzalo Rodríguez