La mayor parte del trabajo de Kiki Smith gira en torno al cuerpo humano y la identidad individual. Convierte objetos cotidianos en creaciones místicas
Kiki Smith convierte objetos cotidianos en creaciones místicas. Explora la fragilidad y la resiliencia de la vida, la permeabilidad de la piel humana y las narrativas a través de una variedad de medios. Se utilizan imágenes y esculturas de mujeres icónicas, muchas literarias, para invocar una humanidad universal a través de sus experiencias e historias femeninas.
A partir de la década de 1980, su arte utilizó el cuerpo humano como formato para discutir temas sociales y políticos como la raza, el género, la sexualidad y como una forma de responder a la epidemia de SIDA.
Su trabajo representa un retorno a la figura humana, la representación y la espiritualidad en la comunidad artística, temas que fueron descuidados e incluso mal vistos durante el reinado de la pintura «moderna». Smith produce trabajos en bronce, cera, papel, yeso, vidrio y muchos otros medios. Ella cree que todos los métodos artísticos son iguales en valor y significado. No hay material demasiado humilde para el uso artístico.
El papel, por ejemplo, se considera un material delicado y femenino, y a menudo se coloca en el extremo inferior de los materiales de arte. El papel se rasga, se arruga y corre mayor peligro de deterioro que muchas otras sustancias. Smith señala que el papel puede ser un material fuerte, maleable y de archivo. Al igual que la piel humana, es a la vez frágil y fuerte, y actúa como una barrera permeable a la luz. Ella usa papel maché para crear esculturas y une muchas hojas pequeñas de papel para obrar impresiones y dibujos a gran escala.
Kiki Smith convierte los objetos cotidianos en creaciones místicas
La artista también aprovecha materiales y técnicas marginadas por el mundo del arte como las partes íntimas o femeninas. Los tapetes, la cerámica y el yeso no están asociados con las bellas artes o las formas de arte elevado. Smith toma estos instrumentos, los restos descartados de la alta cultura artística, y los imbuye de un significado más profundo a lo largo de su trabajo.
El rosario de vidrio se convierte en los fluidos de la vida y representa la sangre, la orina, las lágrimas y el semen. Los lustrosos tapetes metálicos imitan los copos de nieve y los cuerpos celestes. Smith afirma que «hay poder en las formas de arte que se descuidan», y aprovecha ese poder oculto de lo cotidiano y lo comparte con la audiencia.
Algunas personas describen la obra de arte de Kiki Smith como un viaje desde el interior oculto del cuerpo hasta la relación del cuerpo con el entorno exterior. Smith explica que quiere recuperar nuestros cuerpos de la fragmentación dentro de la sociedad y la historia del arte. Las personas se dividen en oposiciones entre masculino y femenino y entre mente y cuerpo a través de la sociedad y la cultura.
En el mundo del arte, los cubistas fragmentan formalmente la figura humana para iluminar las diversas facetas de la forma. Su trabajo también ha sido discutido en el contexto del feminismo y los intentos de redefinir las imágenes de las mujeres a través de sus propias experiencias. Al principio, Smith le presenta a la audiencia situaciones que todas las mujeres deben aceptar.
El trabajo de Kiki Smith gira en torno al cuerpo humano y la identidad individual
Ella evita cuidadosamente las relaciones directas con temas desafiantes como el aborto, la identidad de género y la sexualidad al centrar su trabajo en las funciones biológicas del cuerpo femenino. La obra de arte de Kiki Smith refleja un punto de vista femenino. La mayoría de sus creaciones representan mujeres y eventos específicos de mujeres, como la menstruación y el embarazo. Ella dice que quiere mostrar que la experiencia de ser mujer es una experiencia humana universal.
Una crítica que se aplica a muchas de las figuras femeninas de Smith es que son vulnerables, débiles y sufren. Estas mujeres abyectas a menudo se construyen con cera, sus rasgos faciales se dejan suavemente modelados. En varios casos, no tienen el control de sus funciones corporales. Esculturas como «Pee Body» (1992) y «Tale» (1992), siguen el modelo de una mujer universal.
En «Pee Body», una figura femenina se pone en cuclillas cerca del suelo, con las piernas abiertas hacia un lado para permitir que salgan gotas de orina amarilla. Las cuerdas que representan la orina están dispuestas en un patrón de onda simple. Son a la vez repulsivos y hermosos. Esta mujer universal pretende evocar sentimientos de vergüenza tanto para la escultura expuesta como para el espectador voyeurista.
Algunos críticos ven su uso de figuras femeninas icónicas y arquetípicas, como la Virgen María y María Magdalena, como un regreso a los roles femeninos estereotipados. Pero la «Virgen María» de Smith, producida en 1992, no es de ninguna manera una representación estereotipada.
Esta Virgen María está formada por una combinación de cera de abejas y cera microcristalina, y la impermanencia de estos materiales desafía las representaciones idealizadas de la Dormición y la Asunción. La eliminación de la piel de la figura revela a la humanidad su carne y tejido conectivo. Esta escultura muestra al público que la Virgen María fue, en un tiempo, un ser humano real y físico.
La propia Kiki Smith aparece como figura en su obra. La artista a veces moldea su rostro y cuerpo para esculturas y usa su retrato en varios grabados. En «Pietà» (1999) Smith se muestra en un papel icónico, imitando a la Virgen María que sostiene el cuerpo de su hijo crucificado después de su descenso de la cruz. En la versión de Smith, la artista aparece sentada en una silla acunando el cuerpo de su gato fallecido. Esta imagen también destaca la interjección de la vida personal del artista en una narrativa más universal.
«Lying with the Wolf» y «Wearing the Skin» presentan al espectador mujeres desconocidas. Estas cifras no son un ejemplo de lo que significa ser una mujer buena o mala o incluso una mujer ordinaria. Las imágenes no se refieren a un evento específico en ninguna narrativa existente. En cambio, las escenas provienen de la propia mitología y lenguaje simbólico de Kiki Smith.
Las mujeres de estos dos dibujos se basan en Santa Genoveva, la santa patrona de París, quien convenció a los parisinos de permanecer en sus hogares y rezar para protegerse del ejército de Atila del Huno en 451 d.C. Las oraciones de París fueron respondidas: Atila y sus hombres fueron desviados y atacaron la ciudad de Orleans.
Kiki Smith recuerda haber visto un retrato del patrón, cuya pureza y dulzura hizo que tanto el lobo como el cordero se acostaran en paz. La combinación de mujer y lobo es un hecho frecuente en la obra de Smith, y esta repetición comienza a construir una historia para estas dos figuras.
La pareja aparece con mayor frecuencia como personajes del cuento de Caperucita Roja. Como Kiki Smith incorpora formas y temas de arte descuidados y, a veces, rechazados, su trabajo trasciende algunos de los problemas sociales y políticos contemporáneos.
Al hacer un trabajo que trata sobre un individuo específico, Smith invita al espectador a experimentar una conexión personal y emocional con cada trabajo. Figuras icónicas como la Virgen María se vuelven humanas, y la gente común, incluida la propia artista, cumple los roles de narrativas más universales. Los materiales ordinarios y comunes se transforman en representaciones místicas y simbólicas de la vida cotidiana.
Kiki Smith convierte objetos cotidianos en creaciones místicas. Por Elizabeth Fontenot